jueves, 17 de diciembre de 2020

Pop

 

 

La música pop es un género de música popular que tuvo su origen a finales de los años 1950 como una derivación del tradicional pop, en combinación con otros géneros musicales que estaban de moda en aquel momento. Los términos música pop y música popular se usan a menudo de manera indistinta, aunque el segundo tiene un sentido más amplio al dar cabida a otros géneros distintos del pop que se consideren populares.

 

Como género, la música pop es muy ecléctica, tomando prestado a menudo elementos de otros estilos como el urban, el dance, el rock, la música latina, el rhythm and blues o el folk. Con todo, hay elementos esenciales que definen al pop, como son las canciones de corta a media duración, escritas en un formato básico (a menudo la estructura estrofa-estribillo), así como el uso habitual de estribillos repetidos, de temas melódicos y ganchos. La instrumentación se compone habitualmente de guitarra, batería, bajo, guitarra eléctrica, teclado, sintetizador, etc.

 

El Diccionario de la lengua española define «pop» como «un cierto tipo de música ligera y popular derivado de estilos musicales negros y de la música folclórica británica», siendo el término procedente del inglés pop, un acortamiento de popular (popular).

 

Los autores y estudiosos de música David Hatch y Stephen Millward definieron la música pop como: «un cuerpo de la música, el cual es distinguible de la música popular, el jazz y la música folk».

 

El término canción pop se registró por primera vez en 1926, usado en el sentido de una pieza musical «que tenga atractivo popular». A partir de la década de 1950, el término «música pop» se ha utilizado para describir un género distinto, destinado a un mercado joven, a menudo caracterizado como una alternativa suave al rock and roll. Según el musicólogo T. Warner, «a raíz del auge de los artistas británicos de la conocida como invasión británica, alrededor de 1967, el término fue utilizado cada vez más en oposición al concepto de música rock, para describir una forma musical más comercial, efímera y accesible».

 

Aunque la música pop es a menudo vista como orientada a las listas de ventas de sencillos, como género no consiste simplemente en la suma de todos los éxitos musicales, que ha contenido siempre canciones procedentes de una variedad de fuentes, entre ellas la música clásica, el jazz o el rock, sino que configura un género con una existencia y desarrollo separados.

 

A lo largo de su existencia, la música pop ha absorbido influencias de la mayoría de los otros géneros de música popular. El pop de los comienzos se inspiró en la balada sentimental para tomar su forma, tomó del góspel y el soul su uso de las armonías vocales, del jazz, el country y el rock su instrumentación, de la música clásica su orquestación, del dance su tempo, de la música electrónica su acompañamiento, del hip hop elementos rítmicos, y recientemente ha incorporado también los pasajes hablados del rap.

La era del swing hizo estrellas de muchos cantantes populares, incluidos Frank Sinatra, Dinah Shore, Jo Stafford, Perry Como, Peggy Lee, Patti Page y David Whitfield.

 

Bing Crosby, el rey del Pop en aquel entonces y el primero en ostentar ese seudónimo, ya se había establecido como el cantante más popular del mundo a mediados de los años 40. Dos innovaciones notables fueron la adición de secciones de cuerda y arreglos orquestales y un mayor énfasis en la interpretación vocal.

La adición de cuerdas exuberantes se puede escuchar en gran parte de la música popular durante las décadas de 1940 y 1950. A principios de la década de 1950, cuando el dominio del swing dio paso a la era de la música pop tradicional, muchos de los vocalistas asociados con las bandas de swing se hicieron aún más populares y fueron figuras centrales en la música popular.

Así mismo, ha sacado partido de las innovaciones tecnológicas. En los años 1940 un mejorado diseño del micrófono hizo posible un estilo de canto más íntimo, y diez o veinte años más tarde los discos de 45 r.p.m. —baratos y más duraderos— «revolucionaron la manera en que se diseminó el pop» y ayudaron a conducir a la música pop a «un star system de disco/radio/cine».

 

Otro cambio tecnológico fue la amplia disponibilidad de la televisión en los años 1950; con las actuaciones televisadas, «las estrellas del pop tenían que tener una presencia visual».16​ En la década de los 60, la introducción de receptores de radio baratos y portátiles significó que los adolescentes podían oír música fuera de casa. La grabación multipista (de los 60) y el sampling digital (de los 80) han sido usados también como medios para la creación y elaboración de música pop.​ A comienzos de los 80, la promoción de la música pop se había nutrido del auge de los programas y canales musicales de televisión, como la MTV, que «favorecieron a aquellos artistas como Michael Jackson y Madonna que poseían un fuerte atractivo visual».

 

La música pop ha estado dominada por la industria musical norteamericana y británica, cuya influencia ha hecho de la música pop una especie de mono cultura internacional, pero la mayoría de las regiones y de los países tienen su propia forma de pop, a veces produciendo versiones locales de tendencias más amplias y prestándoles características locales.​ Alguna de estas tendencias (por ejemplo el k-pop) ha tenido un significativo impacto en el desarrollo del género.

 

De acuerdo con Grove Music Online, «los estilos occidentales de pop, ya sea coexistiendo o marginalizando a los géneros de carácter local, se han expandido por el mundo y han llegado a constituir unos denominadores estilísticos comunes en las culturas globales de música comercial». Algunos países no occidentales, como Japón, han desarrollado una industria próspera de música pop, la mayoría de la cual se enfoca al pop de estilo occidental, y ha producido durante varios años una cantidad de música mayor que cualquier otro país excepto Estados Unidos.1 No solo en Japón se ha desarrollado la música pop de manera internacional, también se ha desarrollado en otros países de Asia como Corea, donde se desarrolló el K-Pop o en China donde se puede encontrar el C-pop. Estos distintos géneros del pop en estos últimos años han tomado un gran impacto entre los adolescentes y los adultos, atrayéndolos con sus vídeos de alta producción y canciones con letras de profundo significado. La expansión de la música pop de estilo occidental ha sido interpretada de manera variada como la representación de procesos de americanización, homogeneización, modernización, apropiación creativa, imperialismo cultural, y/o un proceso más genérico de globalización.

 

Ahora mostraré una lista de mis canciones preferidas de este género:

What Makes You Beautiful – One Direction

 


Bad - Michael Jackson

 


The Eve – EXO

 


Shinin’ – Jonghyun

 


Uptown Funk – Mark Ronson ft Bruno Mars

 


Call me baby – EXO

 


The 7th Sense – NCT U

 


Smooth Criminal – Michael Jackson

 


Back Door – Stray Kids

 


Beat It - Michael Jackson

 


You Calling My Name – Got7

 


Hellevator – Stray Kids



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Hip-Hop

 

 El hip hop es una cultura originada en el sur del Bronx y Harlem, en la ciudad de Nueva York, entre jóvenes afroamericanos y Latinos (Principalmente Boricuas y Jamaiquinos) durante la década de 1970. Si bien el término hip hop o rap se usa a menudo para referirse al estilo musical y al estilo de vida, se considera que el hip hop no solo se circunscribe al ámbito musical y por el contrario consta de cuatro principales elementos: rap (oral: recitar o cantar), turntablism o "DJing" (auditiva o musical), breaking (físico: baile) y graffiti (visual: pintura). A pesar de sus variados y contrastados métodos de ejecución, se asocian fácilmente con la pobreza y la violencia que subyace al contexto histórico que dio nacimiento a la subcultura. Para este grupo de jóvenes, ofrece rebelarse en contra de las desigualdades y penurias que se vivían en las áreas urbanas de escasos recursos de Nueva York así que el hip hop funcionó inicialmente, como una forma de auto-expresión que propondría reflexionar, proclamar una alternativa, tratar de desafiar o simplemente evocar el estado de las circunstancias de dicho entorno, favoreciendo su desarrollo artístico. Incluso mientras continúa la historia contemporánea, a nivel mundial, hay un florecimiento de diversos estilos en cada uno de los cuatro elementos, adaptándose a los nuevos contextos en los que se ha inmerso el hip hop, sin desligarse de los principios fundamentales, los cuales proporcionan estabilidad y coherencia a la cultura.

 

El origen de la cultura se deriva de las fiestas callejeras por los Ghetto Brothers. Cuando se conectaban los amplificadores para sus instrumentos y altavoces en las farolas de la 163rd Street y Prospect Avenue. La misma idea de tomar energía de esta calle colgándose a las farolas las retomó DJ Kool Herc después de sus fiestas en la sala de recreo del condominio en el 1920de Sedgwick Avenue, en donde hizo mezcla de los intermedios percusivos breaks de los temas soul y funk para impresionar a la multitud y especialmente de algunos bailarines que buscaban esos 'breaks' para lucirse en sus habilidades gimnastas b-boys, mientras algún MC animaba las fiestas y rimaba al ritmo, es decir rapeaban, de los diferentes beats, al tiempo que varios bailarines competían, en ocasiones de otras pandillas. No es sorpresa que Kool Herc sea reconocido como el "padre" del hip hop. El DJ Afrika Bambaataa en conjunto con Zulu Nation, diseño los pilares de la cultura hip pop, a la que él acuñó los términos: MCing o "Emceein", DJing o "Deejayin", b-boying y graffiti o aerosol writin.

 

Desde su evolución a lo largo del sur del Bronx, la cultura hip hop se ha extendido a diferentes subculturas y comunidades de todo el mundo. El hip hop surgió por primera vez con Kool Herc y Disc Jockeys contemporáneos como también imitadores, todos estos experimentaron creando golpes rítmicos a través de loops breaks (pequeñas porciones de canciones que enfatizan un patrón de percusión) en dos platos. Esto más tarde fue acompañado por rap, un estilo rítmico del canto o poesía a menudo se presenta en medidas de 16 intervalos de tiempo, y beatboxing, una técnica vocal usada principalmente para proporcionar elementos de percusión de la música y diversos efectos técnicos de DJ. Una forma original de baile y particulares estilos de vestir surgió entre los fanes de esta nueva música, el breaking. Estos elementos experimentaron una considerable adaptación y el desarrollo en el transcurso de la historia de la cultura, incluso hoy permanece en constante evolución al ser una cultura presente en más de 200 naciones.

 

El hip hop es tanto un fenómeno moderno como también antiguo; gran parte de la cultura ha girado en torno a la idea de actualizar las grabaciones clásicas, actitudes y experiencias al público moderno en lo que se denomina "flipping". Actualmente aún sigue arraigándose a otros géneros norteamericanos como lo son el blues, jazz y rock and roll, inspirándose mayormente en el soul, el funk y, particularmente desde el álbum "Criminal Minded" (1986) de Boogie Down Productions, con el dancehall. Compite además con el rock, el pop y con la música electrónica por el primer lugar en cifras de ventas a nivel mundial como también la influencia cultural, ya que cada uno de los anteriores cuenta con seguidores en prácticamente cada nación de los cinco continentes, dando lugar a la creación de cientos de estilos y subculturas.

 

Algunas canciones representativas del hip-hop son:

Nuthing’ but a “G” Thang – Dr. Dre

 


Juicy – The Notorious B.I.G

 



Fight the Power – Public Enemy

 


In da Club – 50 Cent

 


Fuck Tha Police – N.W.A

 


Stan – Eminem



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Heavy Metal

 

El heavy metal, o simplemente metal es un género musical que nació a mediados de los años sesenta y principios de los setenta en el Reino Unido y también en los Estados Unidos, cuyos orígenes provienen del blues rock, hard rock y del rock psicodélico. Se caracteriza principalmente por sus guitarras fuertes y distorsionadas, ritmos enfáticos, los sonidos del bajo y la batería son más densos de lo habitual y por voces generalmente agudas.

 

Hasta el día de hoy no existe un consenso preciso que defina cuál fue la primera banda de heavy metal, algunos mencionan a Led Zeppelin​ y Deep Purple, mientras que otros dejan ese sitial exclusivamente a Black Sabbath. Por aquel mismo tiempo, a finales de los años 1960 y principios de los años 1970, surgieron muchas bandas que si bien no tuvieron el impacto mediático de las mencionadas también fueron un aporte al nacimiento del género como UFO, Blue Cheer, Wishbone Ash, Budgie y Blue Öyster Cult, entre otros. Posteriormente surgieron agrupaciones como Scorpions, Rainbow, Judas Priest (estos últimos introdujeron la combinación del doble bombo con ritmos rápidos en semicorchea de bajo y guitarra, y eliminaron las últimas influencias del blues) y Motörhead (quienes incluyeron algunos elementos del punk rock, dándole un nuevo énfasis a la agresividad y velocidad). En la segunda mitad de los setenta y en pleno auge del punk surgió la Nueva ola del heavy metal británico (abreviada comúnmente como NWOBHM) liderada por Iron Maiden, Saxon y Def Leppard y de la que formaron parte los muy influyentes ex post Venom​, que dio un nuevo valor al género derivando en el nacimiento de una posterior subcultura a ambos lados del Atlántico (influyendo la NWOBHM notablemente en el surgimiento de nuevas bandas estadounidenses como Manowar, Savatage o Queensrÿche a finales de esa década).

 

Con la llegada de los ochenta comenzaron a aparecer los primeros subgéneros del metal; por un lado el glam metal (encabezado por bandas como Europe, Bon Jovi, Van Halen, W.A.S.P., Whitesnake o Mötley Crue) que lideró las ventas y las listas musicales de los principales mercados y por el otro el metal extremo que provenía de la escena underground. De este último surgió con una amplia popularidad el thrash metal liderado por los llamados "Big Four" estadounidenses (Metallica, Megadeth, Slayer y Anthrax) y con una importante repercusión en Alemania (surgiendo bandas como Kreator, Sodom, Destruction o Tankard). Sin embargo, en la década posterior dicho éxito comercial decayó ante el auge de nuevos sonidos alternativos, principalmente por el grunge; si bien en Europa continental, Japón y Latinoamérica siguieron siendo populares y vivieron su auge subgéneros como el power metal (destacando bandas como Helloween, Blind Guardian, Gamma Ray, Stratovarius o Rhapsody), del mismo modo que surgían y resistían comercialmente a nivel global otros nuevos subgéneros, como el groove (Machine Head, Pantera o Sepultura).

 

Llegado el nuevo milenio, existía ya una infinidad de subgéneros, cada uno con características específicas y con influencias de otros estilos como la música clásica, música industrial, funk y el rap, por ejemplo, que han ampliado la definición de metal hasta llegar a la actualidad. A su vez, su popularidad se ha incrementado durante los últimos años principalmente en Europa, Estados Unidos, Latinoamérica y Japón. La música metal tiene una aceptación más favorable en Escandinavia que en otras regiones debido a la apertura social y política en estas regiones; especialmente Finlandia ha sido a menudo llamada la "Tierra Prometida del Heavy Metal", porque hoy en día hay más de 50 bandas de metal por cada 100.000 habitantes, más que cualquier otra nación del mundo.


Algunas canciones reconocidas de este género músical son: 

La canción del pirata - Tierra Santa

 


Wind of Change – Scorpions

 


Don’t You Cry – Kamelot


 

War Pigs – Black Sabath


 

My Kantele – Amorphis


 

Nothing Else Matters – Metallica



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Indie Rock

 

El Indie Rock es un estilo del rock y actualmente es un subgénero musical del rock alternativo, que se originó en el Reino Unido y los Estados Unidos en la década de 1980. De gran diversidad, presenta variados sub-géneros que incluyen al lo-fi, slowcore, riot grrrl, entre otros.

 


El término fue originalmente utilizado para describir sellos discográficos, pero con el tiempo se comenzó a asociar con la música que ellas producían. Luego, como las bandas de pop rock y post-punk estadounidenses, y luego las bandas de Britpop británicas, irrumpieron en el mercado musical de la década de 1990, pasó a ser utilizado como identificador de dichos grupos que, aunque también pertenecen de forma general al rock alternativo, no tomaron la ruta ni las estéticas impuestas por estos movimientos y que hicieron a estos populares. En la década de 2000 en tanto, como resultado de los cambios en la industria de la música y la creciente importancia de Internet, una serie de grupos de rock indie comenzaron a disfrutar de éxito comercial, dando lugar a preguntas acerca de su significado como término, pasando a ser referido como un género propiamente tal (según estadísticas).

 

El término indie es usado para referirse a un sonido nuevo presentado por un músico. Es un estilo musical del cual se desprenden el indie rock, indie pop, indietrónica, indie folk e indie hip hop. “Indie” viene del término “Independiente”, siendo así interpretado por generaciones como una actitud que adoptaron músicos al independizarse de las grandes compañías discográficas para crear música a través de sus propios medios.

 

Pretendiendo así apoyar e incentivar a todos aquellos que se dediquen a reproducir sus creaciones en pequeños lugares.

 

También el indie rock y sus derivados promueven el "hazlo tú mismo", "Do It Yourself (DIY). Las influencias y estilos de los artistas han sido muy diversos, entre ellos punk, el rock psicodélico, y el rock. Los términos rock alternativo y el indie rock se utilizan indistintamente en la década de 1980, pero después de muchas bandas de música alternativa desde Nirvana en la corriente principal en la década de 1990 comenzó a utilizarse para distinguir esas bandas, que trabajan en una variedad de estilos, que no persiguen o alcanzan el éxito comercial.

 

Allmusic identifica indie rock que incluye una serie de estilos que son: "demasiado sensible y melancólica, muy suave y delicada, demasiado soñadora, hasta cierto punto pop; y muy personal e íntimo que revela en sus letras, también de baja fidelidad y de bajo presupuesto en su producción; demasiado simple en sus melodías y riffs, demasiado cruda, skronky y abrasivos, envuelto en hojas de bandas como Sonic Youth / Dinosaur Jr. / Pixies y The Jesus and Mary Chain estilo flojo de las guitarras, muy oblicua y fractura en las estructuras de sus canciones, también influyó por estilos musicales experimentales o impopulares lo contrario. " Unidos por un espíritu más que una propuesta musical, el movimiento de rock/pop indie que abarca una amplia gama de estilos, de bordes duros, grunge con influencia a bandas como The Cranberries y Superchunk, a través de las bandas experimentales como Pavement, cantantes populares de punk como Ani DiFranco. Muchos países han desarrollado una extensa escena indie, floreciendo con la popularidad suficiente como para sobrevivir en el interior del país respectivo, pero prácticamente desconocidos fuera de ellas.

 

Se ha observado que el rock indie tiene una proporción relativamente alta de mujeres artistas en comparación con otros géneros del rock, una tendencia ejemplificada por la corriente de punk-rock feminista Riot grrrl encabezada por bandas como Bikini Kill, Bratmobile, 7 Year Bitch, Team Dresch, Huggy Bear, Hole, y Babes in Toyland.

 

Algunas canciones conocidas del Indie Rock son:

Banguet – Bloc Party

 


Young Folks – Peter Pjorn and John

 


The Less I Know Better – Tame Impala

 


Last Nite – The Strokes

 


A-Punk – Vampire Weekend

 


Yellow – Coldplay




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Country

Country es un género musical surgido en los años 20 en las regiones rurales del Sur de Estados Unidos y las Marítimas de Canadá y Australia. En sus orígenes, combinó la música folclórica de algunos países europeos de inmigrantes, principalmente Irlanda, con otras formas musicales, como el blues, el bluegrass y la música espiritual y religiosa, como el gospel. El término country comenzó a ser utilizado en los años 1950 en detrimento del término hillbilly, que era la forma en que se le conocía hasta entonces, terminando de consolidarse su uso en los años 1970.

El country tradicional, se tocaba esencialmente con instrumentos de cuerda, como la guitarra, el banjo, el violín sencillo (fiddle) y el contrabajo, aunque también intervenían frecuentemente el acordeón (de influencia francesa para la música cajún), y la armónica. En el country moderno se utilizan sobre todo los instrumentos electrónicos, como la guitarra eléctrica, el bajo eléctrico, los teclados, el dobro, o la steel guitar.

 

La familia Carter (The Carter Family) fue la primera en grabar en disco una canción country, junto a Jimmie Rodgers, consolidando este género musical con el nombre inicial de hillbilly, que luego dio paso al de simplemente country. Ambos influyeron con sus respectivos estilos a numerosos cantantes que les sucedieron. En los años 1940 fueron sobre todo cantantes como Hank Williams los que contribuyeron a su creciente popularidad. En la década de 1950, la música country adquirió elementos del rock and roll (el vigoroso rockabilly de Johnny Cash, Elvis Presley, Jerry Lee Lewis, Bill Haley o Buddy Holly), género que por aquel entonces vivía un enorme auge, y que aportó ritmos y melodías más desarrolladas. Si bien se pueden escuchar hoy en día toda clase de variantes del country, el que se combina con el rock, y más recientemente con el pop, es el que más éxito tiene ante el público masivo, en la corriente del country pop destacan Dolly Parton y Kenny Rogers.

 

Así, el término country, actualmente es un cajón de sastre en el que se incluyen diferentes géneros musicales: el sonido Nashville (más cercano al pop de los años 1960), el bluegrass (popularizado por Bill Monroe y Flatt and Scruggs, basado en ritmos rápidos y virtuosísimos, interpretados con mandolina, violín y banjo), la música de westerns de Hollywood, el western swing (una sofisticada música basada en el jazz y popularizada por Bob Wills), el sonido Bakersfield (popularizado por Buck Owens y Merle Haggard), el outlaw country, cajún, zydeco, gospel, Old Time (música folk anterior a 1930), honky tonk, rockabilly o Country neo-tradicional. Cada estilo es único en su ejecución, en el uso de ritmos y acordes, aunque muchas canciones han sido adaptadas para los diferentes estilos. Por ejemplo, la canción «Milk cow blues», una antigua melodía blues de Kokomo Arnold ha sido interpretada en una amplia variedad de estilos del country, desde Aerosmith a Bob Wills, pasando por Willie Nelson, George Strait, Ricky Nelson o Elvis Presley.


Ahora te presentaré alguna de las canciones country más conocidas: 

I’m so Lonesome I could Cry – Hank Williams

 


The Gambler – Kenny Rogers

 


Always on my Mind – Willie Nelson

 


Crazy – Patsy Cline

 


Change – Taylor Swift

 


Enchanted – Taylor Swift

 


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domingo, 13 de diciembre de 2020

Rhythm and Blues (R&B)

 

El rhythm and blues, a menudo abreviado como R&B o RnB, es un género de música popular afroamericana que tuvo su origen en Estados Unidos en los años 1940 a partir del blues, el jazz y el gospel.​ Se la describió como «una música basada en el jazz, movida, urbana y con un ritmo insistente».​ Constituyó la base musical para el desarrollo del rock and roll.

 


El término ha sufrido desde entonces algunas variaciones de significado. En los primeros años de la década del 1950, se solía llamar rhythm and blues a los discos de blues,​ pasando pocos años después a referirse a un blues eléctrico que incorporaba gospel y soul. En los años 1970, "rhythm and blues" se convirtió en un término genérico que incluía la música soul y el funk. En los 80, se desarrolló un nuevo estilo de R&B, alejado ya del original, que pasó a conocerse como "R&B contemporáneo".

En la actualidad es habitual usar el término rhythm and blues (o R&B) para referirse a este último género contemporáneo.

 

El rhythm and blues contemporáneo (conocido también como contemporary R&B o simplemente R&B), surge tras la decadencia de la música disco y el funk en los años 80, convirtiéndose a partir de entonces en la corriente principal (mainstream) del R&B. Entre las características que lo diferencian del rhythm & blues de la década anterior (constituido mayormente por los estilos soul, funk y disco) están la introducción de sonidos sintetizados y cajas de ritmos, además de un mayor acercamiento al género del pop, llegando en cierto modo a integrarse en él. Otras características son su cuidada producción y el frecuente empleo del melisma en la voz. Las primeras figuras de esta nueva era del R&B son Sade, Earth, Wind & Fire, Michael Jackson, Prince, Tina Turner, Janet Jackson o Whitney Houston, a las que más adelante (comienzos del siglo XXI) se sumarán nombres como Beyoncé, Rihanna, Joss Stone, Amy Winehouse, Justin Timberlake, Bruno Mars, Chris Brown, The Weeknd y Ariana Grande.

 

Surgió también en los primeros años del R&B una tendencia de "boy bands" en Estados Unidos y el Reino Unido que mezclaban melodías con bases típicas del pop acompañadas de instrumentos y letras del R&B, y a veces incluso "rapeos" del hip-hop. Ejemplos de esto fueron New Edition y New Kids on the Block, seguidos más tarde por Boyz II Men, Backstreet Boys y 'N Sync.

 

Ahora veremos algunos ejemplos de R&B:

Bruno Mars - Versace on the Floor

 


The Weeknd - Blinding Lights

 


Dean - D (Half Moon) ft. Gaeko

 


ZICO - She's a baby

 


Crush (feat. Gaeko) - Hug Me

 


Alicia Keys - No One



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Jazz

 

El jazz es un género musical nacido a finales del siglo XIX en los Estados Unidos, que se expandió de forma global a lo largo del siglo XX.

La identidad musical del jazz es compleja y no puede ser delimitada con facilidad. En primer lugar, aunque a menudo el término se use para hacer referencia a un idioma musical (tal como se hace, por ejemplo, cuando se habla de música clásica), el jazz es en realidad una familia de géneros musicales que comparten características comunes, pero no representan individualmente la complejidad de género como un todo; en segundo lugar, sus diversas "funciones sociales" (el jazz puede servir como música de fondo para reuniones o como música de baile, pero ciertos tipos de jazz exigen una escucha atenta y concentrada) requieren un ángulo de estudio diferente; y en tercer lugar, el tema racial siempre ha generado un profundo debate sobre el jazz, moldeando su recepción por parte del público. Si bien el jazz es un producto de la cultura afroamericana, siempre ha estado abierto a influencias de otras tradiciones musicales variando con la mezcla de culturas, y ya desde la década de 1920 ha sido ejecutado por músicos de diversas partes del mundo con un trasfondo muy diferente. En ocasiones se ha mostrado como paradigma del jazz la obra de músicos con más éxito comercial,​ que los aficionados y la crítica han considerado subproductos alejados de la tradición, entendiendo por el contrario, que el jazz es una forma de música negra, en la que los afroamericanos han sido sus mayores innovadores y sus más notables representantes.

El jazz es una forma de arte musical que se originó en los Estados Unidos mediante la confrontación de los negros con la música europea. La instrumentación, melodía y armonía del jazz se derivan principalmente de la tradición musical de Occidente. El ritmo, el fraseo y la producción de sonido, y los elementos de armonía de blues se derivan de la música africana y del concepto musical de los afroamericanos.

Algunas características importantes del jazz

      ·    Una cualidad rítmica especial conocida como swing

      ·         El papel de la improvisación.

  •      Un sonido y un fraseo que reflejan la personalidad de los músicos ejecutantes.

A lo largo de su historia, el jazz ha pasado de ser una simple música de baile popular a una forma de arte reconocida en todo el mundo. Paralelamente a dicho progreso, han cambiado también las actitudes hacia esta música: en 1924 un periodista del New York Times se refería a ella como «el retorno de la música de los "salvajes"», mientras que en 1987 el Congreso de los Estados Unidos de América declaraba al jazz como un «destacado modelo de expresión» y como un «excepcional tesoro nacional». Se ha señalado que el motor de dicho progreso ha sido la innovación, una particularidad que siempre ha estado presente en la historia de esta música, dirigiendo su evolución y caracterizando la obra de sus artistas más destacados al lado de una rama más tradicionalista. Paralelamente a esta dicotomía entre la innovación y la tradición, el jazz se ha movido entre la obra de unos artistas que solo han buscado el reconocimiento de una pequeña pero selecta audiencia y otros que ha dirigido sus esfuerzos a una audiencia más amplia.


Algunos albumes representativos del jazz: 

MILES DAVIS – ‘KIND OF BLUE’

 


SONNY ROLLINS – ‘SAXOPHONE COLOSSUS’

 


LOUIS ARMSTRONG – ‘HOT FIVES AND SEVENS’

 


THE DAVE BRUBECK QUARTET – ‘TIME OUT’

 


JOHN COLTRANE – ‘A LOVE SUPREME’

 


THELONIOUS MONK – ‘BRILLIANT CORNERS’



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