La música pop es
un género de música popular que tuvo su origen a finales de los años 1950 como
una derivación del tradicional pop, en combinación con otros géneros musicales
que estaban de moda en aquel momento. Los términos música pop y música popular
se usan a menudo de manera indistinta, aunque el segundo tiene un sentido más
amplio al dar cabida a otros géneros distintos del pop que se consideren
populares.
Como género, la música pop es muy ecléctica,
tomando prestado a menudo elementos de otros estilos como el urban, el dance,
el rock, la música latina, el rhythm and blues o el folk. Con todo, hay
elementos esenciales que definen al pop, como son las canciones de corta a
media duración, escritas en un formato básico (a menudo la estructura
estrofa-estribillo), así como el uso habitual de estribillos repetidos, de
temas melódicos y ganchos. La instrumentación se compone habitualmente de
guitarra, batería, bajo, guitarra eléctrica, teclado, sintetizador, etc.
El Diccionario de la lengua española define
«pop» como «un cierto tipo de música ligera y popular derivado de estilos
musicales negros y de la música folclórica británica», siendo el término
procedente del inglés pop, un acortamiento de popular (popular).
Los autores y estudiosos de música David Hatch
y Stephen Millward definieron la música pop como: «un cuerpo de la música, el
cual es distinguible de la música popular, el jazz y la música folk».
El término canción pop se registró por primera
vez en 1926, usado en el sentido de una pieza musical «que tenga atractivo
popular». A partir de la década de 1950, el término «música pop» se ha
utilizado para describir un género distinto, destinado a un mercado joven, a
menudo caracterizado como una alternativa suave al rock and roll. Según el
musicólogo T. Warner, «a raíz del auge de los artistas británicos de la
conocida como invasión británica, alrededor de 1967, el término fue utilizado
cada vez más en oposición al concepto de música rock, para describir una forma
musical más comercial, efímera y accesible».
Aunque la música pop es a menudo vista como
orientada a las listas de ventas de sencillos, como género no consiste
simplemente en la suma de todos los éxitos musicales, que ha contenido siempre
canciones procedentes de una variedad de fuentes, entre ellas la música
clásica, el jazz o el rock, sino que configura un género con una existencia y
desarrollo separados.
A lo largo de su existencia, la música pop ha
absorbido influencias de la mayoría de los otros géneros de música popular. El
pop de los comienzos se inspiró en la balada sentimental para tomar su forma,
tomó del góspel y el soul su uso de las armonías vocales, del jazz, el country
y el rock su instrumentación, de la música clásica su orquestación, del dance
su tempo, de la música electrónica su acompañamiento, del hip hop elementos
rítmicos, y recientemente ha incorporado también los pasajes hablados del rap.
La era del swing hizo estrellas de muchos
cantantes populares, incluidos Frank Sinatra, Dinah Shore, Jo Stafford, Perry
Como, Peggy Lee, Patti Page y David Whitfield.
Bing Crosby, el rey del Pop en aquel entonces y
el primero en ostentar ese seudónimo, ya se había establecido como el cantante
más popular del mundo a mediados de los años 40. Dos innovaciones notables
fueron la adición de secciones de cuerda y arreglos orquestales y un mayor
énfasis en la interpretación vocal.
La adición de cuerdas exuberantes se puede
escuchar en gran parte de la música popular durante las décadas de 1940 y 1950.
A principios de la década de 1950, cuando el dominio del swing dio paso a la
era de la música pop tradicional, muchos de los vocalistas asociados con las
bandas de swing se hicieron aún más populares y fueron figuras centrales en la
música popular.
Así mismo, ha sacado partido de las
innovaciones tecnológicas. En los años 1940 un mejorado diseño del micrófono
hizo posible un estilo de canto más íntimo, y diez o veinte años más tarde los
discos de 45 r.p.m. —baratos y más duraderos— «revolucionaron la manera en que
se diseminó el pop» y ayudaron a conducir a la música pop a «un star system de
disco/radio/cine».
Otro cambio tecnológico fue la amplia disponibilidad
de la televisión en los años 1950; con las actuaciones televisadas, «las
estrellas del pop tenían que tener una presencia visual».16 En la década de
los 60, la introducción de receptores de radio baratos y portátiles significó
que los adolescentes podían oír música fuera de casa. La grabación multipista
(de los 60) y el sampling digital (de los 80) han sido usados también como
medios para la creación y elaboración de música pop. A comienzos de los 80, la
promoción de la música pop se había nutrido del auge de los programas y canales
musicales de televisión, como la MTV, que «favorecieron a aquellos artistas
como Michael Jackson y Madonna que poseían un fuerte atractivo visual».
La música pop ha estado dominada por la
industria musical norteamericana y británica, cuya influencia ha hecho de la
música pop una especie de mono cultura internacional, pero la mayoría de las
regiones y de los países tienen su propia forma de pop, a veces produciendo
versiones locales de tendencias más amplias y prestándoles características
locales. Alguna de estas tendencias (por ejemplo el k-pop) ha tenido un
significativo impacto en el desarrollo del género.
De acuerdo con Grove Music Online, «los estilos
occidentales de pop, ya sea coexistiendo o marginalizando a los géneros de
carácter local, se han expandido por el mundo y han llegado a constituir unos
denominadores estilísticos comunes en las culturas globales de música comercial».
Algunos países no occidentales, como Japón, han desarrollado una industria
próspera de música pop, la mayoría de la cual se enfoca al pop de estilo
occidental, y ha producido durante varios años una cantidad de música mayor que
cualquier otro país excepto Estados Unidos.1 No solo en Japón se ha
desarrollado la música pop de manera internacional, también se ha desarrollado
en otros países de Asia como Corea, donde se desarrolló el K-Pop o en China
donde se puede encontrar el C-pop. Estos distintos géneros del pop en estos
últimos años han tomado un gran impacto entre los adolescentes y los adultos,
atrayéndolos con sus vídeos de alta producción y canciones con letras de
profundo significado. La expansión de la música pop de estilo occidental ha
sido interpretada de manera variada como la representación de procesos de
americanización, homogeneización, modernización, apropiación creativa,
imperialismo cultural, y/o un proceso más genérico de globalización.
Ahora mostraré una lista de mis canciones
preferidas de este género:
El hip hop es
una cultura originada en el sur del Bronx y Harlem, en la ciudad de Nueva York,
entre jóvenes afroamericanos y Latinos (Principalmente Boricuas y Jamaiquinos)
durante la década de 1970. Si bien el término hip hop o rap se usa a menudo
para referirse al estilo musical y al estilo de vida, se considera que el hip
hop no solo se circunscribe al ámbito musical y por el contrario consta de
cuatro principales elementos: rap (oral: recitar o cantar), turntablism o
"DJing" (auditiva o musical), breaking (físico: baile) y graffiti
(visual: pintura). A pesar de sus variados y contrastados métodos de ejecución,
se asocian fácilmente con la pobreza y la violencia que subyace al contexto
histórico que dio nacimiento a la subcultura. Para este grupo de jóvenes,
ofrece rebelarse en contra de las desigualdades y penurias que se vivían en las
áreas urbanas de escasos recursos de Nueva York así que el hip hop funcionó
inicialmente, como una forma de auto-expresión que propondría reflexionar,
proclamar una alternativa, tratar de desafiar o simplemente evocar el estado de
las circunstancias de dicho entorno, favoreciendo su desarrollo artístico.
Incluso mientras continúa la historia contemporánea, a nivel mundial, hay un
florecimiento de diversos estilos en cada uno de los cuatro elementos,
adaptándose a los nuevos contextos en los que se ha inmerso el hip hop, sin
desligarse de los principios fundamentales, los cuales proporcionan estabilidad
y coherencia a la cultura.
El origen de la cultura se deriva de las
fiestas callejeras por los Ghetto Brothers. Cuando se conectaban los
amplificadores para sus instrumentos y altavoces en las farolas de la 163rd
Street y Prospect Avenue. La misma idea de tomar energía de esta calle
colgándose a las farolas las retomó DJ Kool Herc después de sus fiestas en la
sala de recreo del condominio en el 1920de Sedgwick Avenue, en donde hizo
mezcla de los intermedios percusivos breaks de los temas soul y funk para
impresionar a la multitud y especialmente de algunos bailarines que buscaban
esos 'breaks' para lucirse en sus habilidades gimnastas b-boys, mientras algún
MC animaba las fiestas y rimaba al ritmo, es decir rapeaban, de los diferentes
beats, al tiempo que varios bailarines competían, en ocasiones de otras
pandillas. No es sorpresa que Kool Herc sea reconocido como el
"padre" del hip hop. El DJ Afrika Bambaataa en conjunto con Zulu
Nation, diseño los pilares de la cultura hip pop, a la que él acuñó los
términos: MCing o "Emceein", DJing o "Deejayin", b-boying y
graffiti o aerosol writin.
Desde su evolución a lo largo del sur del
Bronx, la cultura hip hop se ha extendido a diferentes subculturas y
comunidades de todo el mundo. El hip hop surgió por primera vez con Kool Herc y
Disc Jockeys contemporáneos como también imitadores, todos estos experimentaron
creando golpes rítmicos a través de loops breaks (pequeñas porciones de
canciones que enfatizan un patrón de percusión) en dos platos. Esto más tarde
fue acompañado por rap, un estilo rítmico del canto o poesía a menudo se
presenta en medidas de 16 intervalos de tiempo, y beatboxing, una técnica vocal
usada principalmente para proporcionar elementos de percusión de la música y
diversos efectos técnicos de DJ. Una forma original de baile y particulares
estilos de vestir surgió entre los fanes de esta nueva música, el breaking.
Estos elementos experimentaron una considerable adaptación y el desarrollo en
el transcurso de la historia de la cultura, incluso hoy permanece en constante
evolución al ser una cultura presente en más de 200 naciones.
El hip hop es tanto un fenómeno moderno como
también antiguo; gran parte de la cultura ha girado en torno a la idea de
actualizar las grabaciones clásicas, actitudes y experiencias al público
moderno en lo que se denomina "flipping". Actualmente aún sigue
arraigándose a otros géneros norteamericanos como lo son el blues, jazz y rock
and roll, inspirándose mayormente en el soul, el funk y, particularmente desde
el álbum "Criminal Minded" (1986) de Boogie Down Productions, con el
dancehall. Compite además con el rock, el pop y con la música electrónica por
el primer lugar en cifras de ventas a nivel mundial como también la influencia
cultural, ya que cada uno de los anteriores cuenta con seguidores en prácticamente
cada nación de los cinco continentes, dando lugar a la creación de cientos de
estilos y subculturas.
Algunas canciones representativas del hip-hop
son:
El heavy metal,
o simplemente metal es un género musical que nació a mediados de los años
sesenta y principios de los setenta en el Reino Unido y también en los Estados
Unidos, cuyos orígenes provienen del blues rock, hard rock y del rock
psicodélico. Se caracteriza principalmente por sus guitarras fuertes y
distorsionadas, ritmos enfáticos, los sonidos del bajo y la batería son más
densos de lo habitual y por voces generalmente agudas.
Hasta el
día de hoy no existe un consenso preciso que defina cuál fue la primera banda
de heavy metal, algunos mencionan a Led Zeppelin y Deep Purple, mientras que
otros dejan ese sitial exclusivamente a Black Sabbath. Por aquel mismo tiempo,
a finales de los años 1960 y principios de los años 1970, surgieron muchas
bandas que si bien no tuvieron el impacto mediático de las mencionadas también
fueron un aporte al nacimiento del género como UFO, Blue Cheer, Wishbone Ash,
Budgie y Blue Öyster Cult, entre otros. Posteriormente surgieron agrupaciones
como Scorpions, Rainbow, Judas Priest (estos últimos introdujeron la
combinación del doble bombo con ritmos rápidos en semicorchea de bajo y
guitarra, y eliminaron las últimas influencias del blues) y Motörhead (quienes
incluyeron algunos elementos del punk rock, dándole un nuevo énfasis a la
agresividad y velocidad). En la segunda mitad de los setenta y en pleno auge
del punk surgió la Nueva ola del heavy metal británico (abreviada comúnmente
como NWOBHM) liderada por Iron Maiden, Saxon y Def Leppard y de la que formaron
parte los muy influyentes ex post Venom, que dio un nuevo valor al género
derivando en el nacimiento de una posterior subcultura a ambos lados del
Atlántico (influyendo la NWOBHM notablemente en el surgimiento de nuevas bandas
estadounidenses como Manowar, Savatage o Queensrÿche a finales de esa década).
Con la
llegada de los ochenta comenzaron a aparecer los primeros subgéneros del metal;
por un lado el glam metal (encabezado por bandas como Europe, Bon Jovi, Van
Halen, W.A.S.P., Whitesnake o Mötley Crue) que lideró las ventas y las listas
musicales de los principales mercados y por el otro el metal extremo que
provenía de la escena underground. De este último surgió con una amplia
popularidad el thrash metal liderado por los llamados "Big Four"
estadounidenses (Metallica, Megadeth, Slayer y Anthrax) y con una importante
repercusión en Alemania (surgiendo bandas como Kreator, Sodom, Destruction o
Tankard). Sin embargo, en la década posterior dicho éxito comercial decayó ante
el auge de nuevos sonidos alternativos, principalmente por el grunge; si bien
en Europa continental, Japón y Latinoamérica siguieron siendo populares y
vivieron su auge subgéneros como el power metal (destacando bandas como
Helloween, Blind Guardian, Gamma Ray, Stratovarius o Rhapsody), del mismo modo
que surgían y resistían comercialmente a nivel global otros nuevos subgéneros,
como el groove (Machine Head, Pantera o Sepultura).
Llegado el
nuevo milenio, existía ya una infinidad de subgéneros, cada uno con
características específicas y con influencias de otros estilos como la música
clásica, música industrial, funk y el rap, por ejemplo, que han ampliado la
definición de metal hasta llegar a la actualidad. A su vez, su popularidad se
ha incrementado durante los últimos años principalmente en Europa, Estados
Unidos, Latinoamérica y Japón. La música metal tiene una aceptación más
favorable en Escandinavia que en otras regiones debido a la apertura social y
política en estas regiones; especialmente Finlandia ha sido a menudo llamada la
"Tierra Prometida del Heavy Metal", porque hoy en día hay más de 50
bandas de metal por cada 100.000 habitantes, más que cualquier otra nación del
mundo.
Algunas canciones reconocidas de este género músical son:
El Indie
Rock es un estilo del rock y actualmente es un subgénero musical del rock
alternativo, que se originó en el Reino Unido y los Estados Unidos en la década
de 1980. De gran diversidad, presenta variados sub-géneros que incluyen al
lo-fi, slowcore, riot grrrl, entre otros.
El término
fue originalmente utilizado para describir sellos discográficos, pero con el
tiempo se comenzó a asociar con la música que ellas producían. Luego, como las
bandas de pop rock y post-punk estadounidenses, y luego las bandas de Britpop británicas,
irrumpieron en el mercado musical de la década de 1990, pasó a ser utilizado
como identificador de dichos grupos que, aunque también pertenecen de forma
general al rock alternativo, no tomaron la ruta ni las estéticas impuestas por
estos movimientos y que hicieron a estos populares. En la década de 2000 en
tanto, como resultado de los cambios en la industria de la música y la
creciente importancia de Internet, una serie de grupos de rock indie comenzaron
a disfrutar de éxito comercial, dando lugar a preguntas acerca de su
significado como término, pasando a ser referido como un género propiamente tal
(según estadísticas).
El término
indie es usado para referirse a un sonido nuevo presentado por un músico. Es un
estilo musical del cual se desprenden el indie rock, indie pop, indietrónica,
indie folk e indie hip hop. “Indie” viene del término “Independiente”, siendo
así interpretado por generaciones como una actitud que adoptaron músicos al
independizarse de las grandes compañías discográficas para crear música a
través de sus propios medios.
Pretendiendo
así apoyar e incentivar a todos aquellos que se dediquen a reproducir sus
creaciones en pequeños lugares.
También el
indie rock y sus derivados promueven el "hazlo tú mismo", "Do It
Yourself (DIY). Las influencias y estilos de los artistas han sido muy
diversos, entre ellos punk, el rock psicodélico, y el rock. Los términos rock
alternativo y el indie rock se utilizan indistintamente en la década de 1980,
pero después de muchas bandas de música alternativa desde Nirvana en la
corriente principal en la década de 1990 comenzó a utilizarse para distinguir
esas bandas, que trabajan en una variedad de estilos, que no persiguen o
alcanzan el éxito comercial.
Allmusic
identifica indie rock que incluye una serie de estilos que son: "demasiado
sensible y melancólica, muy suave y delicada, demasiado soñadora, hasta cierto
punto pop; y muy personal e íntimo que revela en sus letras, también de baja
fidelidad y de bajo presupuesto en su producción; demasiado simple en sus
melodías y riffs, demasiado cruda, skronky y abrasivos, envuelto en hojas de
bandas como Sonic Youth / Dinosaur Jr. / Pixies y The Jesus and Mary Chain
estilo flojo de las guitarras, muy oblicua y fractura en las estructuras de sus
canciones, también influyó por estilos musicales experimentales o impopulares
lo contrario. " Unidos por un espíritu más que una propuesta musical, el
movimiento de rock/pop indie que abarca una amplia gama de estilos, de bordes
duros, grunge con influencia a bandas como The Cranberries y Superchunk, a
través de las bandas experimentales como Pavement, cantantes populares de punk
como Ani DiFranco. Muchos países han desarrollado una extensa escena indie,
floreciendo con la popularidad suficiente como para sobrevivir en el interior
del país respectivo, pero prácticamente desconocidos fuera de ellas.
Se ha
observado que el rock indie tiene una proporción relativamente alta de mujeres
artistas en comparación con otros géneros del rock, una tendencia ejemplificada
por la corriente de punk-rock feminista Riot grrrl encabezada por bandas como
Bikini Kill, Bratmobile, 7 Year Bitch, Team Dresch, Huggy Bear, Hole, y Babes
in Toyland.
Country es un género musical surgido en los años 20 en las regiones
rurales del Sur de Estados Unidos y las Marítimas de Canadá y Australia. En sus
orígenes, combinó la música folclórica de algunos países europeos de
inmigrantes, principalmente Irlanda, con otras formas musicales, como el blues,
el bluegrass y la música espiritual y religiosa, como el gospel. El término
country comenzó a ser utilizado en los años 1950 en detrimento del término
hillbilly, que era la forma en que se le conocía hasta entonces, terminando de
consolidarse su uso en los años 1970.
El country tradicional, se tocaba esencialmente
con instrumentos de cuerda, como la guitarra, el banjo, el violín sencillo
(fiddle) y el contrabajo, aunque también intervenían frecuentemente el acordeón
(de influencia francesa para la música cajún), y la armónica. En el country
moderno se utilizan sobre todo los instrumentos electrónicos, como la guitarra
eléctrica, el bajo eléctrico, los teclados, el dobro, o la steel guitar.
La familia Carter (The Carter Family) fue la
primera en grabar en disco una canción country, junto a Jimmie Rodgers,
consolidando este género musical con el nombre inicial de hillbilly, que luego
dio paso al de simplemente country. Ambos influyeron con sus respectivos
estilos a numerosos cantantes que les sucedieron. En los años 1940 fueron sobre
todo cantantes como Hank Williams los que contribuyeron a su creciente
popularidad. En la década de 1950, la música country adquirió elementos del
rock and roll (el vigoroso rockabilly de Johnny Cash, Elvis Presley, Jerry Lee
Lewis, Bill Haley o Buddy Holly), género que por aquel entonces vivía un enorme
auge, y que aportó ritmos y melodías más desarrolladas. Si bien se pueden
escuchar hoy en día toda clase de variantes del country, el que se combina con
el rock, y más recientemente con el pop, es el que más éxito tiene ante el público
masivo, en la corriente del country pop destacan Dolly Parton y Kenny Rogers.
Así, el término country, actualmente es un
cajón de sastre en el que se incluyen diferentes géneros musicales: el sonido
Nashville (más cercano al pop de los años 1960), el bluegrass (popularizado por
Bill Monroe y Flatt and Scruggs, basado en ritmos rápidos y virtuosísimos,
interpretados con mandolina, violín y banjo), la música de westerns de
Hollywood, el western swing (una sofisticada música basada en el jazz y popularizada
por Bob Wills), el sonido Bakersfield (popularizado por Buck Owens y Merle
Haggard), el outlaw country, cajún, zydeco, gospel, Old Time (música folk
anterior a 1930), honky tonk, rockabilly o Country neo-tradicional. Cada estilo
es único en su ejecución, en el uso de ritmos y acordes, aunque muchas
canciones han sido adaptadas para los diferentes estilos. Por ejemplo, la
canción «Milk cow blues», una antigua melodía blues de Kokomo Arnold ha sido
interpretada en una amplia variedad de estilos del country, desde Aerosmith a
Bob Wills, pasando por Willie Nelson, George Strait, Ricky Nelson o Elvis
Presley.
Ahora te presentaré alguna de las canciones country más conocidas:
El rhythm and blues, a menudo abreviado como
R&B o RnB, es un género de música popular afroamericana que tuvo su origen
en Estados Unidos en los años 1940 a partir del blues, el jazz y el gospel. Se
la describió como «una música basada en el jazz, movida, urbana y con un ritmo
insistente». Constituyó la base musical para el desarrollo del rock and roll.
El término ha sufrido desde entonces algunas
variaciones de significado. En los primeros años de la década del 1950, se
solía llamar rhythm and blues a los discos de blues, pasando pocos años
después a referirse a un blues eléctrico que incorporaba gospel y soul. En los
años 1970, "rhythm and blues" se convirtió en un término genérico que
incluía la música soul y el funk. En los 80, se desarrolló un nuevo estilo de
R&B, alejado ya del original, que pasó a conocerse como "R&B
contemporáneo".
En la actualidad es habitual usar el término
rhythm and blues (o R&B) para referirse a este último género contemporáneo.
El rhythm and blues contemporáneo (conocido
también como contemporary R&B o simplemente R&B), surge tras la
decadencia de la música disco y el funk en los años 80, convirtiéndose a partir
de entonces en la corriente principal (mainstream) del R&B. Entre las
características que lo diferencian del rhythm & blues de la década anterior
(constituido mayormente por los estilos soul, funk y disco) están la
introducción de sonidos sintetizados y cajas de ritmos, además de un mayor
acercamiento al género del pop, llegando en cierto modo a integrarse en él.
Otras características son su cuidada producción y el frecuente empleo del
melisma en la voz. Las primeras figuras de esta nueva era del R&B son Sade,
Earth, Wind & Fire, Michael Jackson, Prince, Tina Turner, Janet Jackson o
Whitney Houston, a las que más adelante (comienzos del siglo XXI) se sumarán
nombres como Beyoncé, Rihanna, Joss Stone, Amy Winehouse, Justin Timberlake,
Bruno Mars, Chris Brown, The Weeknd y Ariana Grande.
Surgió también en los primeros años del R&B
una tendencia de "boy bands" en Estados Unidos y el Reino Unido que
mezclaban melodías con bases típicas del pop acompañadas de instrumentos y
letras del R&B, y a veces incluso "rapeos" del hip-hop. Ejemplos
de esto fueron New Edition y New Kids on the Block, seguidos más tarde por Boyz
II Men, Backstreet Boys y 'N Sync.
El jazz es un género musical nacido a finales
del siglo XIX en los Estados Unidos, que se expandió de forma global a lo largo
del siglo XX.
La identidad musical del jazz es compleja y no
puede ser delimitada con facilidad. En primer lugar, aunque a menudo el término
se use para hacer referencia a un idioma musical (tal como se hace, por
ejemplo, cuando se habla de música clásica), el jazz es en realidad una familia
de géneros musicales que comparten características comunes, pero no representan
individualmente la complejidad de género como un todo; en segundo lugar, sus
diversas "funciones sociales" (el jazz puede servir como música de
fondo para reuniones o como música de baile, pero ciertos tipos de jazz exigen
una escucha atenta y concentrada) requieren un ángulo de estudio diferente; y
en tercer lugar, el tema racial siempre ha generado un profundo debate sobre el
jazz, moldeando su recepción por parte del público. Si bien el jazz es un
producto de la cultura afroamericana, siempre ha estado abierto a influencias de
otras tradiciones musicales variando con la mezcla de culturas, y ya desde la
década de 1920 ha sido ejecutado por músicos de diversas partes del mundo con
un trasfondo muy diferente. En ocasiones se ha mostrado como paradigma del jazz
la obra de músicos con más éxito comercial, que los aficionados y la crítica
han considerado subproductos alejados de la tradición, entendiendo por el
contrario, que el jazz es una forma de música negra, en la que los
afroamericanos han sido sus mayores innovadores y sus más notables
representantes.
El jazz es una forma de arte musical que se
originó en los Estados Unidos mediante la confrontación de los negros con la
música europea. La instrumentación, melodía y armonía del jazz se derivan
principalmente de la tradición musical de Occidente. El ritmo, el fraseo y la
producción de sonido, y los elementos de armonía de blues se derivan de la
música africana y del concepto musical de los afroamericanos.
Algunas características importantes del jazz
·Una
cualidad rítmica especial conocida como swing
·El
papel de la improvisación.
Un
sonido y un fraseo que reflejan la personalidad de los músicos ejecutantes.
A lo largo de su historia, el jazz ha pasado de
ser una simple música de baile popular a una forma de arte reconocida en todo
el mundo. Paralelamente a dicho progreso, han cambiado también las actitudes
hacia esta música: en 1924 un periodista del New York Times se refería a ella
como «el retorno de la música de los "salvajes"», mientras que en
1987 el Congreso de los Estados Unidos de América declaraba al jazz como un
«destacado modelo de expresión» y como un «excepcional tesoro nacional». Se ha
señalado que el motor de dicho progreso ha sido la innovación, una
particularidad que siempre ha estado presente en la historia de esta música,
dirigiendo su evolución y caracterizando la obra de sus artistas más destacados
al lado de una rama más tradicionalista. Paralelamente a esta dicotomía entre
la innovación y la tradición, el jazz se ha movido entre la obra de unos
artistas que solo han buscado el reconocimiento de una pequeña pero selecta
audiencia y otros que ha dirigido sus esfuerzos a una audiencia más amplia.
Rock es un término amplio que agrupa una
variedad de estilos de música popular originados como rock and roll a
principios de la década de 1950 en los Estados Unidos y que evolucionó en un
gran rango de diferentes estilos en los años 1960, particularmente en Reino
Unido y los Estados Unidos. Tiene sus raíces en el rock and roll de los años
1940 y 1950, proveniente de la combinación de géneros anteriores como el blues,
rhythm and blues y el country. La música rock también se nutrió fuertemente del
blues eléctrico y el folk, e incorporó influencias del jazz, la música clásica
y otras fuentes. El rock se ha centrado en la guitarra eléctrica, normalmente
como parte de un grupo integrado por cantante, batería, bajo y, algunas veces,
instrumentos de teclado como el órgano y el piano. Usualmente, el rock se
centra en las canciones, habitualmente con compás de 4/4 y una estructura
verso-estribillo; sin embargo, el género se ha vuelto extremadamente diverso y
las características musicales comunes son difíciles de definir. Como la música
pop, las letras se centran a menudo en el amor romántico, pero también tratan
un rango amplio de otros temas con un enfoque frecuente en lo social, lo
personal y lo político.
A finales de la década de 1960, referida como
la "era dorada" o el periodo del "rock clásico", surgieron
distintos subgéneros, entre ellos el blues rock, folk rock, country rock y el
jazz rock, muchos de los cuales contribuyeron al desarrollo del rock psicodélico,
influenciado por la escena psicodélica contracultural. Los nuevos géneros que
emergieron de esta escena incluyen el rock progresivo, que extendió los
elementos artísticos; el glam rock, que resaltó el espectáculo en vivo y el
estilo visual; y el heavy metal, que se centra en el volumen, el poder y la
velocidad. En la segunda mitad de los años 1970, el punk intensificó y
reaccionó contra algunas de estas tendencias para producir una música cruda y
energética. El punk fue una influencia en la década de 1980 en el desarrollo de
otros subgéneros, entre ellos el new wave, el pospunk y el movimiento del rock
alternativo. Desde la década de 1990, el rock alternativo comenzó a dominar el
género y saltó a la fama en las formas de grunge, britpop e indie rock. Desde
entonces han aparecido otros subgéneros de fusión como el pop punk, rap rock y
nu metal, así como intentos de recordar la historia del rock, con el
resurgimiento de géneros como el garage rock, el pospunk y el pop sintético a
principios de los años 2000.
La música rock también abarcó y sirvió de
vehículo para los movimientos culturales y sociales, lo que llevó a la creación
de subculturas como los mods y los rockers en el Reino Unido, y la
contracultura hippie que se propagó en San Francisco (Estados Unidos) en la
década de 1960. De forma similar, la cultura punk de la década de 1970 originó
las subculturas visualmente distintivas emo y gótica. Heredera de la tradición
folclórica de la canción de protesta, la música rock ha sido asociada con el activismo
político, así como con los cambios en las actitudes sociales sobre el racismo,
el sexo y el uso de drogas, y es usualmente vista como una expresión de la
rebelión juvenil contra el consumismo y conformismo.
La música
de baile electrónica, EDM (por sus siglas en inglés Electronic Dance Music),
música club, música dance, o simplemente dance, es un conjunto de géneros de
música electrónica, como el house, techno, trance, dubstep, eurodance, hard
dance, italo-disco, dance pop, y sus subgéneros, entre otros. Orientada
principalmente al baile, se caracteriza por estar realizada con sonidos
sintéticos y orgánicos pregrabados en un estudio, y por sus ritmos bien
marcados y repetitivos y con letras pegadizas, pudiendo incorporar voces o ser
música instrumental.
El dance
comprende un amplio espectro de géneros musicales de contenido percusivo que,
en buena medida, son herederos de la música electrónica de Kraftwerk y de la
música disco de los años 1970 a 1985. Esta música nació y fue popularizada en
diferentes ambientes de discotecas en los años 1980-1990.Hacia comienzos de los
años 1990, la presencia de la música electrónica de baile dentro de la cultura
contemporánea se había extendido ampliamente, comenzando a ser estudiada académicamente
en áreas científicas como la historia, la cultura y la sociología. Para su
creación se utilizan instrumentos electrónicos como el sintetizador, la caja de
ritmos y el secuenciador. Generalmente se enfatizan los sonidos únicos de estos
instrumentos, incluso cuando se imita el sonido de otros instrumentos acústicos
tradicionales. En ocasiones comprende también música no destinada primariamente
al baile, pero que está derivada en todo caso de algún género de música
electrónica orientado al baile.
A partir de
los años sesenta, se conocieron a nivel mundial varios predecesores pioneros
del género que siguen influyendo en la producción actual. A continuación, te
presentaré a algunos de los artistas y corrientes que, desde mi punto de vista,
ocupan una destacada posición:
·El
dub de Jamaica: fue un género de música electrónica que surgió a partir de la
experimentación de la música reggae en los años 1960.
·La
banda alemana Kraftwerk, formada en 1970.
·El disco music of Giorgio Moroder.
Ahora
mostraré algunos ejemplos bastantes conocidos del género EDM:
David Guetta,
"Titanium (feat. Sia)"
OMI, "Cheerleader (Felix Jaehn Remix)"
The Chainsmokers, "Don't Let Me Down (feat. Daya)"
La música clásica es la corriente musical que
casa principalmente la música producida o basada en las tradiciones de la
música litúrgica y secular de Occidente, principalmente Europa Occidental.
Abarca un periodo de tiempo que va aproximadamente del siglo XI a la
actualidad, aunque esta definición no es aplicable a la música realizada en el
siglo XX a pesar de presentar las mismas características, si bien las
principales características del género fueron codificadas principalmente entre
1550 y 1900, que es habitualmente considerado como el período característico de
producción de la música clásica. En un sentido historiográfico, la música
clásica se divide en varios periodos: música antigua o medieval, que abarca el
periodo comprendido por la Baja Edad Media en Europa (1000-1400); la música
renacentista (1400-1600); la música barroca, que coincide con desarrollo del
arte barroco (1600-1750); el clasicismo (1750-1800), que en la Historia de la
música y la musicología es a veces llamado «música clásica»; el Romanticismo
(1800-1910); y la música contemporánea, que comprende las distintas corrientes
de música clásica del siglo XX, que adopta la composición atonal y disonante y
otras tendencias opuestas a corrientes anteriores.
Debido tanto a sus características técnicas, a
la creciente profesionalización de la profesión de músico y compositor, y al
contexto socio-cultural en el que se desarrolla (bajo el patronazgo de
aristocracia, iglesia y burguesía), la música clásica es habitualmente definida
como la música de tradición culta.
En ese sentido, la música clásica se distingue
de la música "popular" y de otras formas musicales no europeas por su
característica notación musical simbólica, en uso desde aproximadamente el
siglo XVI. Dicha notación permite a los compositores prescribir de forma
detallada el tempo, la métrica, el ritmo, la altura y la ejecución precisa de
cada pieza musical. Esto limita el espacio para la improvisación o la
ornamentación ad libitum, que son frecuentes en la música artística no-Europea
y en la música popular. Otra característica es que mientras la mayoría de los
estilos «populares» tienden a desarrollarse alrededor del género de las
canciones, la música clásica se ha caracterizado por el desarrollo de formas y
géneros musicales altamente sofisticados y relajantes, y por el empleo de una
muy variada y compleja instrumentación. Por ello, la música clásica suele
requerir de tanto los músicos como los compositores un alto grado de
profesionalización y especialización.
Hay una gran variedad de artistas reconocidos como:
Claudio Monteverdi (1567 – 1643). El
Renacimiento
Georg Friedrich Haendel (1685 – 1759). El
Barroco
Antonio Lucio Vivaldi (1678 – 1741). El Barroco
Johann Sebastian Bach (1685 – 1750). Fin del
Barroco
Franz Joseph Haydn (1732 – 1809). El Clasicismo
Wolfang Amadeus Mozart (1756 – 1791).
Clasicismo
Ludwig van Beethoven (1770 – 1827). Inicios del
Romanticismo.
Frédéric François Chopin (1810 – 1849). El
Romanticismo pleno
Wilhelm Richard Wagner. El Romanticismo tardío
A continuación algunas pistas clásicas mayormente conocidas:
La música forma parte de nuestras vidas casi desde que nacemos, y para
muchos es considerada el alimento del alma. Existen diferentes tipos de música,
y cada persona puede variar en sus gustos. Los resultados de las
investigaciones muestran que la música es una poderosa forma de expresión
social que puede reforzar los estereotipos y favorece la expresión de la propia
identidad.
La música ha evolucionado a lo largo del tiempo y cada cultura ha
desarrollado sus propios estilos musicales. Pero… ¿qué tipos de música hay? ¿Cuáles
son los más importantes?
A continuación puedes encontrar una lista con los tipos de música más
relevantes y populares en nuestra sociedad.
1. Música clásica
La música clásica es una corriente que comienza aproximadamente en 1750
y termina en alrededor de 1820, en Europa. Hoy en día se asocia este tipo
música a las personas serias, pues es una estilo culto, propio de un ambiente
muy formal, refinado y elitista.
Cuando alguien se imagina este tipo de música, rápidamente le viene a la
mente la imagen de grandes orquestas, con muchos instrumentos, dirigidos por la
figura de un director. La vestimenta es formal, con una imagen de respeto y
seriedad. La música clásica se expresa en conciertos (solista que acompaña a la
orquesta) y sinfonías (un coro de voces e instrumentos).
Algunos de sus principales autores son Wagner, Bach, Mozart, Beethoven,
Chopin, etcétera.
2. Blues
El blues es uno de los géneros musicales más importantes e influyentes
de los últimos tiempos. Se originó a finales de siglo XIX cuando esclavos
africanos fueron transportados a Estados Unidos. Sus letras tienen un aire
melancólico en los que se pueden apreciar angustias personales o problemas sociales.
Es la combinación de música africana y occidental lo que llevó al género que
que conocemos como "blues".
Varios estilos de blues han sido desarrollados a lo largo de los años,
algunos en pequeñas ciudades del sur de Estados Unidos y otros en ciudades como
Chicago y Nueva Orleans. Este estilo ha influido en casi todos los géneros de
la música popular que estaban por venir en esa época: jazz, soul, hip hop, etc.
B.B. King, Eric Clapton, Duke Ellington o Stevie Ray Vaughn son algunos
de sus principales exponentes.
3. Jazz
A finales del s. XIX, la mayoría de los músicos afroamericanos sólo
tocaban blues, pero algunos también tocaban música clásica y aprendían la
armonía europea. Algunos incluso mezclaron la armonía europea con los ritmos y
las escalas del blues, y fue gracias a esta mezcla que apareció el
"jazz".
El jazz se caracteriza por una serie de elementos: la improvisación, el
tratamiento del ritmo (swing), la utilización de notas a contratiempo y
síncopas, sus voces (por ejemplo, el scat), sus orquestas (Big Bang), etc. Uno
de los músicos más grandes del jazz fue el trompetista Louis Armstrong, pero
artistas como Frank Sinatra también son mundialmente conocidos. Existen
diferentes tipos de jazz: latin jazz, bebop, swing…pero todos conservan la esencia
de este estilo.
Louis Armstrong, Les Paul, Ray Charles o Tito Puente son jazzistas
mundialmente conocidos.
4. Rhythm and Blues (R&B)
Mientras el jazz se estaba volviendo cada vez más popular en los años
1930 y 1940, otro nuevo género estaba comenzando a desarrollarse. Muchos
afroamericanos eran músicos de blues profesionales, pero labrarse un futuro
profesional en la música y ganar dinero no era sencillo. Así que muchos
formaron pequeñas bandas y buscaron trabajo en bares y “pubs”.
Si querían trabajar, los músicos debían ingeniárselas para atraer a la
audiencia, y muchos jóvenes de la época, los que frecuentaban estos lugares,
pensaban que el blues estaba pasado de moda. Las bandas se vieron obligadas a
crear un nuevo estilo, que se llamaría “rhythm and blues” o “R&B”. En sus
inicios, las bandas de R&B eran ruidosas y animadas y basaban su fuerza en
la la batería, el contrabajo, y la guitarra eléctrica. Los cantantes eran
hombres o mujeres con grandes voces, y al público le encantaba. Hoy en día, el
R&B sigue vigente, pero con gran influencia de otro estilo que veremos más
adelante, el soul.
Los artistas más destacados de la actualidad son Usher, Beyoncé, Chris
Brown o R. Kelly.
5. Rock and Roll
A principios de los años cincuenta, otro músico llamado "rock and
roll" estaba de moda. Este estilo fue creado por músicos que podían
interpretar tanto R & B como Western Swing, un estilo popular de música
dance country. Utilizaba los mismos instrumentos que el R&B de aquella
época (guitarra eléctrica, contrabajo y batería), y tenía un toque de blues y
de R&B, pero las melodías eran más parecidas a las de la música country.
Elvis Presley y Chuck Berry son los representantes del Rock and Roll más
clásico.
Elvis Presley es considerado el rey de este género. Puedes ver un
ejemplo de este estilo en este vídeo:
7. Gospel
La música gospel es un género musical que nace en las iglesias
afroamericanas a mediados del siglo XX, gracias a la fusión de los cantos
espirituales de los esclavos negros que abrazaron la fe cristiana, y los himnos
tradicionales de la música blanca. La música gospel es un tipo de música de uso
congregacional, con una música sencilla pero con ritmos marcados.
Tiene una gran riqueza armónica con una melodía simple. Es una música
caracterizada por coros masivos, con toque de palmas, y un cante peculiar en el
que el coro devuelve las frases cantadas por el solista.
Aretha Franklin, Whitney Houston y Andraé Crouch son algunos músicos de
gospel ampliamente reconocidos.
8. Soul
La música soul es un género de música popular afroamericana que influyó
notablemente en muchos géneros posteriores. Por ejemplo: la música funk. el
dance, el hip hop y el R&B contemporáneo.
Se desarrolló en los EE.UU. a finales de la década de 1950, de la música
de gospel y otros estilos. Mientras el el gospel era un tipo de música más
alegre, con un coro se movía tocando las palmas, el soul era música más lenta
más profunda. “Soul” significa alma en inglés.
James Brown, Sam Cooke, Mavin Gaye y Amy Whinehouse fueron dignos
representantes de este género musical.
9. Rock
En los años 60, el rock and roll estaba perdiendo a sus mejores
artistas. Elvis Presley estaba en el ejército, Little Richard había dejado el
rock and roll, y Buddy Holly y Ritchie Valens habían muerto en un accidente
aéreo. Pero muchos jóvenes seguían escuchando sus discos, y algunos empezaron a
explorar los orígenes de la música.
Los jóvenes músicos se interesaron también por el R&B, estudiaron su
armonía y sus características, y pronto aprendieron a tocarla. Al poco tiempo
estaban combinando estos estilos más antiguos con el rock and roll para crear
un nuevo género llamado "rock". Si el rock and roll era bailable, el
rock deja de serlo, y se centra en transmitir pura energía y descontrol.
Con el tiempo, se le da más peso a la guitarra eléctrica y surgen otros
subgéneros del rock como el hard rock, el rock psicodélico, el punk rock o el
folk rock.
The Beatles, The Rolling Stones, Jimi Hendrix, Bob Dylan, David Bowie,
Jim Morrison, Nirvana, Pink Floyd o AC/DC llevaron el rock a un nivel superior.
10. Metal
El metal parte del hard rock durante la década de los años 70 y
experimenta una explosión de grupos musicales durante los 80 por todos los
países de occidente. Su característica principal es la importancia que se le da
a la guitarra eléctrica y a la batería, para generar sonidos contundentes y
enérgicos.
Aunque muchas personas utilizan "heavy metal" y
"metal" como sinónimos, otros distinguen entre el metal como
categoría amplia y el heavy metal como la trayectoria originaria de las
primeras bandas, de la que en las últimas décadas han ido subgéneros
alternativos.
Por otro lado, el uso de las vocales es muy variado, y va desde los
agudos hasta el uso de técnicas para hacer que la voz suene más grave y bestial
de lo normal. En los países escandinavos, especialmente, destaca la popularidad
de subgéneros de metal conocidos como black metal y death metal, en los que las
letras son prácticamente irreconocibles a causa del uso de la forma de gritar
que se usa.
Iron Maiden, Manowar, Opeth, Metallica, Pantera, Anthrax o System of a
Down son representantes muy conocidos del metal.
11. Country
La música country fue uno de los primeros géneros de la música popular
americana moderna. Se desarrolló en los estados del sureste de los Estados
Unidos como una mezcla de música folklórica de las Islas Británicas, música de
la iglesia y blues afroamericano. Su instrumentación característica incluye
guitarra acústica, mandolina, el violín o el banjo.
Willie Nelson, Johnny Cash, Taylor
Swift, Patsy Cline o Garth Brooks son artistas de country.
12. Funk
En los años 60 algunos artistas del soul como James Brown desarrollaron
un estilo más rítmico llamado funk. Este género fue el punto de partida para
muchos nuevos estilos de música bailables como la música disco, El funk se
caracteriza por unas líneas de bajo muy potentes y un ritmo energizante. La
música funk posee un “groove” y unos riffs distintivos que invitan a levantarse
para bailar.
James Brown, George Clinton, Jamiroquai, Prince y Maceo Parker
representan este estilo musical.
13. Disco
A principios de los 70, los clubes nocturnos llamados discotecas estaban
empleando DJs para pinchar canciones para la pistas de baile porque era más
barato que contratar a una banda de música. Comenzaron poniendo canciones de
funk y soul más movidas, pero a mediados de los 70 comenzaron a comercializarse
temas más fácil bailar, destinados a este público.
Con un repetitivo ritmo cuaternario (generalmente entre 110 y 136 bpm),
un sonido orquestal y su piano y guitarra electrónica (con toques claramente
“funkys”), se originaría la música disco.
Michael Jackson, Madonna, Earth
Wind & Fire y Cher representan este género musical.
14. House
A principios de los 80 un nuevo estilo de música de baile se desarrolló
en los “clubes gays” de Nueva York y Chicago. Como en la música disco, las
canciones tenían melodías pegadizas con letras que hablaban de divertirse o
hacer el amor. el house se caracteriza por los ritmos cuaternarios de la música
disco, pero se usan frecuentemente cajas de ritmos y sintetizadores en vez de
las baterías clásicas y otros instrumentos, aunque el piano electrónico
continúa siendo el eje central en la mayoría de la música house.
Erick Morillo, Tina More, Tim Deluxe y Mac Demetrius son artistas de
house mundialmente reconocidos.
15. Techno
Otro género de música de baile llamado techno se desarrolló en Detroit a
principios de los 80 cuando los DJs de las discotecas comenzaron a hacer temas
de baile electrónico. Utilizaron cajas de ritmos y sintetizadores electrónicos
con teclados para añadir acordes y melodías.
También comenzaron a tomar muestras cortas de otra canciones (sampling)
para añadirlas a sus temas. En el techno, el groove es más oscuro que en el
house e incluso tiene un toque delirante. Un subgénero del techno, desarrollado
en los años 90, es el trance.
Gigi D'Agostino, Chris Korda, Basshunter y Ellen Allien son músicos de
techno.
16. Pop
La música pop en realidad no es ningún género musical. "Música
pop" significa popular, y como su nombre indica, es música para las masas;
en este sentido, fuera de la música pop encontraríamos la música clásica y
otras formas artísticas similares.
Así pues, el pop incluye diferentes tipos géneros musicales y tiene más
que ver con el público al que se destinan los temas. Por ejemplo, Michael
Jackson, el conocido como rey del pop, compuso e interpretó temas de diferentes
géneros: soul, funk, disco, rock, R&B, etc. Suyo es el álbum más vendido de
la historia, llamado “Thriller”.
Michael Jackson, Madonna, Britney
Spears, Mariah Carey, Shakira, Elton John y Justin Timberlake son artistas
populares.
Aquí puedes visualizar uno de los grandes clásicos de Michael Jackson:
Billie Jean.
17. Ska
El Ska tuvo su origen en Jamaica a finales de la década de 1950, y
contiene elementos de la música mento, la música calypso, el jazz y el rythm
and blues. Al inicio de los 60 era el género musical dominante en Jamaica y
tuvo gran repercusión en el Reino Unido.
La música de Ska es altamente bailable, optimista, rápida y emocionante.
El ska influenció a otros estilos que nacieron en Jamaica como el rocksteady o
el conocido reggae, con el cual se asemeja mucho, aunque este último se
caracterice por no ser un género musical acelerado, a diferencia del ska.
Prince Buster, Ska-P, Desmond Dekker y Tommy McCook son artistas de ska
muy respetados.
18. Reggae
La música del reggae se originó en Jamaica, influenciada, principalmente,
por el ska y el rocksteady, aunque también por otros estilos como el blues o el
jazz. En general, las letras de canciones reggae van ligadas con la crítica
social, aunque algunas canciones abordan temáticas distintos. El artista
jamaicano Bob Marley es su máximo exponente.
Bob Marley, Los Cafres, Lee Perry, Jimmy Cliff y Gregory Isaacs son
grandes músicos de reggae.
Puedes escuchar a este gran artista en el siguiente vídeo:
19. Hip Hop
El hip hop se desarrolló a finales de los 70, y fue creado en los
barrios marginales de la ciudad de Nueva York por adolescentes afroamericanos.
Junto con este estilo, nacieron también otros movimientos artísticos como el
breakdancing y el graffiti. Muchos de estos jóvenes estaban desempleados, pero
algunos encontraron trabajo como DJs.
En las block parties (fiestas públicas y multitudinarias que congregaban
a muchos miembros de un mismo barrio), éstos mezclaban temas musicales mientras
otros jóvenes rapeaban sobre los repetitivos ritmos. Hoy en día el hip hop ha
evolucionado notablemente y, junto con el R&B,tienen gran importancia en la
escena pop mundial.
2Pac, Notorious BIG, Violadores del Verso, Eminem, 50Cent, Vanilla Ice,
Wu-Tang Clan y Snoop Dogg son algunos representantes del rap.
20. Drum and Bass
La traducción literal de drum and base es “batería y bajo”, porque se
caracteriza por los ritmos rápidos de la batería (generalmente entre 160 y 180
bpm) y las líneas de bajo marcadas. En la actualidad, este enérgico estilo
musical se considera un estilo musical “underground”, pero su influencia ha
sido muy notable en la cultura pop de muchos países como el Reino Unido.
Pendulum, Noisia, Sub Focus, DJ Fresh y High Contrast son excepcionales
artistas del drum and bass.
21. Garage
El Garage, también conocido como UK Garage, y es un estilo de música
electrónica originado en el Reino Unido. Es un género muy bailable y muy
influenciada por el drum and Bass, en el que es posible encontrar voces
cantadas o rapeadas con un estilo distinto al rap del hip hop. Los raperos de
este género se llaman Garage MC's.
Zed Bias, So Solid Crew, MJ Cole y The Streets son grandes exponentes
del UK Garage.
22. Flamenco
El flamenco es la música tradicional española, que nace en el sur de
España y está íntimamente relacionada con la cultura gitana. Sin embargo, las
raíces del flamenco se encuentran en el mestizaje cultural que se dio en
Andalucía en tiempos de su creación: oriundos, musulmanes, gitanos, castellanos
y judíos; propiciaron su distintivo sonido en el que la voz y la guitarra
tienen protagonismo.
El flamenco se caracteriza contar con talentosos guitarristas (los
“virtuosos”) y el cante jondo, un estilo de cante que realza los más profundos
sentimientos.
Paco de Lucía, Tomatito, Enrique Morente, Estrella Morente y Diego el
Cigala son grandes artistas flamencos.
23. Salsa
La salsa es un estilo musical que va íntimamente ligado al baile que
recibe el mismo nombre. La palabra salsa como tal tiene su origen en el Bronx
neoyorquino, aunque las influencias son puramente latinas, siendo Cuba,
posiblemente, el país con más peso en su creación.
Los ritmos afro-cubanos como el mambo, la guaracha, el son, el montuno,
el jazz afro-cubano, entre otros, se expandieron por todo Latinoamérica y
también llegaron a Estados Unidos, donde la población cubana es notable. La
salsa es uno de los estilos musicales más populares entre las culturas
hispanas.
Héctor Lavoe, Tito Puente, Celia Cruz y Ray Barreto representan a la
perfección este tipo de música.
24. Reggaeton
Reggaeton (también conocido como reguetón) es un género musical que se
originó en Puerto Rico a finales de los años noventa. Está influenciado por el
hip hop y la música latinoamericana y caribeña. La voz incluye el rapeo y el
cante y es un estilo musical muy bailable.
Daddy Yankee, Don Omar, Arcángel, De La Ghetto o Zorman son grandes
representantes del Reggaeton.
Puedes escuchar un poco de este estilo en el contenido audiovisual que
se muestra a continuación.
Tipos de música, según el instrumento que utiliza
Además de los géneros musicales anteriormente mencionados, la música
puede clasificarse según instrumentación.
25. Música vocal o “acapella”
La música vocal se caracteriza porque utiliza solamente la voz, y es lo
que se conoce como a acapella. Puede ser individual o en coro. También es
posible realizar la instrumentación con la voz, es lo que se conoce como
“beatbox”, que generalmente incluye la percusión, aunque algunos individuos son
capaces de imitar otros instrumentos como la guitarra o el saxofón.
26. Música instrumental
La música instrumental es aquella en la que solamente se emplean los
instrumentos, y no la voz. Existen dos variantes: la sinfónica, que interpreta
una orquesta; o la electrónica cuando se crea por instrumentos electrónicos.
Puede usarse en películas o en el karaoke.
Por otro lado, no hay un límite claro entre la música instrumental y la
que no lo es. Por ejemplo, en ocasiones se puede digitalizar la voz de una
persona para que suene como la nota tocada por un instrumento.
Otros tipos de música
Además de las anteriores, existen otros tipos de música.
27. Música pragmática
La música pragmática es la que se utiliza a la hora de contar un cuento
o suceso. Es un tipo de música descriptiva y extra-musical. Por ejemplo, la
música empleada para describir un paisaje: lo importante no es la música en sí,
sino el efecto que tiene la música como elemento de la narración.
28. Banda Sonora
La banda sonora es, desde el punto de vista musical, aquella la música
vocal e instrumental que se utiliza en las películas, y tiene como objetivo
potenciar las emociones espectador. Un ejemplo de este tipo de música es “Eye
of the Tiger” de la colección de filmes “Rocky”.
Sin embargo, hay diferentes matices en las diferentes maneras en las que
se puede utilizar una banda sonora. Por ejemplo, en ocasiones puede expresar
simplemente las emociones que suscita un lugar, mientras que en otras, expresa
el tono del momento de la narración por la que se está pasando, de un modo casi
independiente del lugar en el que se desarrolla la acción.
Proximamente estaré explicando los géneros musicales más conocidos uno por uno y con variedad de ejemplos
